Filme Expresso

Os Olhos de Júlia

2011-09-04T12:54:00.000-07:00

Pedro Almodóvar sempre representou o cinema espanhol de forma singular, mas agora a Espanha tem um novo motivo para se orgulhar: Guillermo Del Toro e sua bagagem com O Orfanato (El Orfatanato/2007), O Labirinto do Fauno (El Laberinto Del Fauno/2006), os seguimentos de Hellboy entre outros da sua lista de direção e produção.

Os Olhos de Júlia (Los Ojos de Julia/2010), sua mais recente produção com o novato diretor Guillem Morales trás Belén Rueda representando duas irmãs gêmeas que sofrem de uma doença ocular degenerativa. Seguindo a mesma atmosfera de O Orfanato, com sua fotografia alternando entre extremos claros e escuros, sempre mantendo um suspense claustrofóbico Rueda mostra-se uma atriz muito talentosa.

O filme inicia-se com uma cena aparentemente desconexa, onde Sara parece falar sozinha, previamente levando o espectador a pensar em uma possível loucura. Logo após seu suicídio, Júlia e o marido Issac (Lluís Homar) viajam para dar-lhe um último adeus. Embora a vida de Sara pareça solitária e todas as evidências indiquem mesmo um suicídio, Júlia passa a acreditar que sua irmã foi assassinada.

Obcecada em descobrir a verdade, Júlia passa a freqüentar lugares onde sua irmã freqüentava, visitar seus amigos e, uma cena após a outra, um quebra-cabeça vai sendo montado e todos ao redor dela vão se tornando possíveis culpados quando segredos de Sara são descobertos. Oscilando entre um descontrole psicológico sempre aparente, algo parece se esconder em uma escuridão que também passa a tomar os olhos de Júlia, necessitando se proteger de um perigo aparentemente abstrato.

A trilha sonora essencial em filmes de suspense torna-se apenas detalhes, uma vez que em cenas de tensão, no início do filme, parecem desaparecer, fazendo com que o espectador precise usar mais sua visão e, à medida que Júlia vai ficando cega, os barulhos a sua volta, assim como a própria trilha sonora, vai se tornando mais importante e evidente e os sustos passam a vir de sons da escuridão.

Uma das cenas mais marcantes do filme, assim como um dos picos de tensão trata-se do momento em que Júlia precisa fugir do assassino e só tem a seu favor o flash de uma câmera fotográfica, fazendo com que seu medo ultrapasse a tela e chegue até o espectador.

Interpretações marcantes dirigidas e pensadas de forma inteligente e uma fotografia bela e medonha fazem com quem assiste Os Olhos de Júlia passe de um simples suspeito a uma testemunha sobre a grandeza do cinema espanhol, seja com Almodóvar, Guillermo Del Toro ou com Guillem Morales.

21 Gramas

2009-12-22T08:46:00.000-08:00

Um filme onde vidas são peças de um jogo inteligente que ao primeiro momento parece desconexo. Essas seriam as palavras iniciais que 21 Gramas exige para sua descrição.

Com a temática de encontros entre cursos de vida completamente diferentes, Alejandro González trás seu segundo filme de uma trilogia de encontros ocasionais.

(Os outros são Amores Perros / 2000 e Babel / 2006)

Sean Penn, mais uma vez, destaca-se com seu papel de um homem a espera de um transplante de coração. Com sua esposa desesperada por um filho que talvez possa trazer novos ares ao casamento, Paul não vê qualquer solução para seu casamento desgastado e em sua cama de hospital faz reflexões sobre o ambiente que o cerca. Cristina (Naomi Watts) é dona de um lar invejável, com um marido amoroso e duas filhas lindas. Benicio Del Toro é Jack Jordan, um ex-presidiário que encontra em Deus a salvação para seus atos do passado.

As três realidades se encontram quando Jack atropela o marido e as duas filhas de Cristina e Paul finalmente recebe um coração novo. Na busca da identidade do doador encontra-se com a viúva desolada que volta para o submundo das drogas.

Ao longo dos 124 minutos de duração, as cenas são jogadas de forma alinear, causando uma confusão proposital no espectador. Mostrando pequenos minutos do futuro das relações entre as três vidas que só farão sentido no desfecho final, quando tudo se resume a decisão entre continuar vivendo o que lhes sobrou da vida ou abdicar de tudo.

Crash - No Limite

2009-12-22T07:34:00.000-08:00

Um filme em que o título e o contexto estão em completa harmonia, além da retratação de um cotidiano massacrante das grandes cidades, Crash – No Limite (Crash / 2004) pode ser considerado o diamante dentro da caixa de jóias do diretor Paul Haggis.

Como o próprio título já sugere o filme trata de várias histórias que se encontram por causa de colisões - sejam elas entre carros ou destinos. Além disso, o contexto do preconceito entre negros e brancos nunca foi tão explorado de forma psicológica e ocasional. É o contraste entre duas realidades completamente diferentes de uma mesma metrópole: Los Angeles.

O filme tem seu início com uma reflexão maravilhosa do detetive Graham Waters (Don Cheadle) sobre os acidentes que cercam toda a história. A atuação marcante de Sandra Bullock como uma mulher rica e fatigada da vida fútil que leva, descarregando toda sua raiva na empregada latina. E a cena que exemplifica todo o filme quando o policial John Ryan (Matt Dillon) precisa salvar a bela senhora Thayer (Thandie Newton) que fica presa ao cinto de segurança após um acidente de carro. Mas esses são apenas algumas histórias que formam a teia de acontecimentos de Crash – No Limite.

Sem dúvidas, Haggis será sempre lembrado por tal produção, levando às telas os resultados das colisões – enfrentamentos – entre as diferenças. Um marco que deve ser assistido por qualquer um que goste ou não do gênero.

Sobre críticas e respeito.

2009-12-16T04:26:00.000-08:00

Eu acredito nas pessoas. Acredito no poder da opinião. Acredito no poder da mudança que cada um possui nas mãos. Só não consigo acreditar como tudo isso tem sido usado de uma forma tão errônea.

Depois de tantas lutas joviais pela igualdade, pela liberdade de expressão, livre arbítrio. Jovens morreram na esperança de uma mudança. Hoje, o que temos no mercado são jovens críticos, mas que criticam sem qualquer fundamento, só porque “ser crítico” chega a dar ares de intelectualidade.

Cuidado! As críticas, mais do que qualquer outro tipo de opinião, precisam ser muito bem fundamentadas e, mesmo que seja uma opinião própria, deve tomar cuidado para que não ultrapasse limites.

É muito fácil dizer que um filme, um livro ou uma música é ruim. Quem gosta de música clássica acha o Heavy Metal um lixo. Há quem diga que Paulo Coelho deveria ser perseguido e queimado. Hoje li uma crítica no twitter dizendo algo como “se você carrega um livro da série Twilight por ai merece morrer lenta e dolorosamente”.

Calma aí! Como assim?! Não estamos na era da liberdade tecnológica? As pessoas têm o poder de opinar sobre qualquer coisa e de qualquer jeito. Sim, isso é verdade. Em menos de cinco minutos (dependendo da sua conexão é claro!) é possível criar um blog e começar a escrever sobre tudo que você odeia, tudo o que você acha bonito, etc e tal. Mas e o respeito?

Não estou tentando defender produções cinematográficas de baixa qualidade, música ruim ou escritores falidos. Não, não estou. Não gosto de Paulo Coelho por causa dos assuntos que ele aborda, livros de auto-ajuda não me fascinam, mas não vou dizer que quem goste dele deva morrer. Talvez meu melhor amigo goste dele em segredo. E eu nem sei o que faria sem meu melhor amigo.

Também não gosto de música clássica, mas não posso deixar de admirar as composições. A ‘fabulosidade’ de todos aqueles instrumentos regidos igualmente em tão diferentes escalas.

E achei sim essa nova série Twilight um tanto quanto clichê. Um Romeu e Julieta moderno e místico. Um romance juvenil, uma trilogia que pode vir a perder o foco se não houver uma boa adaptação dos livros.

Mas e as pessoas que gostam? A opinião delas não conta? Por mais que soe infantil achar o vampiro principal lindo e tudo o mais, qual é o problema? Da mesma forma que se você gosta de Laranja Mecânica e alguém não gosta, essa pessoa pode muito bem dizer “Quem gosta desse filme deveria morrer lenta e dolorosamente!”.

Mais uma vez, cuidado ao expressar uma opinião. Vivemos em um mundo que prega e luta pela igualdade.

Mas como se muda ações sem mudar antes os conceitos? Não há como. E se você não consegue sequer respeitar um gosto musical, literário ou cinematográfico, como vai conseguir respeitar as diferenças sociais, culturais, raciais?

2009-12-15T08:32:00.000-08:00

And me, I still believe in paradise. But now at least I know it's not some place you can look for, 'cause it's not where you go. It's how you feel for a moment in your life when you're a part of something, and if you find that moment... It lasts forever.

The Beach/2000

Vanilla Sky

2009-11-07T13:06:00.000-08:00

Vanilla Sky (Vanilla Sky / 2001) possui um enredo maravilhoso, mas não cabe descrevê-lo aqui, mesmo porque não segue qualquer linha de raciocínio. Ao longo do filme David Aames (Tom Cruise) descobre uma paixão – Sofia Serrano (Penélope Cruz) – dentre todas as mulheres mais belas que pode ter. Apesar de toda a beleza e dinheiro que possui, não são suficientes para salvá-lo de algo que vem a ser pior do que a própria morte: sua decadência.

Após sofrer um acidente tem seu belo rosto completamente desfigurado e, algo que antes era seu maior prestígio, agora se torna motivo para escárnio. David vê sua vida desmoronar aos poucos, seu relacionamento com Sofia torna-se conturbado, as visões constantes de um passado aterrorizante, seu rosto – já reconstruído – volta a ser deformado em constantes pesadelos.

Cada vez mais a vida de David se mistura a um mundo de sonhos que se chocam com a realidade mais brutal: ele está preso, mas não sabe por quê. Não se lembra do que fez e está usando uma máscara.

Em meio a tantas voltas, Vanilla Sky tem como cenário uma Nova Iorque linda e iluminada e uma trilha sonora maravilhosa. E os constantes pesadelos de David, a máscara que ele se vê obrigado a usar para esconder o rosto deformado, o dinheiro infinito que agora já não pode comprar o que mais deseja ter: felicidade.

Atrás de cada frase, de cada cena, cada gesto o longa vai tecendo uma grande teia que prende o espectador com uma grande interrogação: até onde tudo aquilo é real? Qual o limite dos sonhos?

Baseado no filme Preso na Escuridão (Abre los Ojos / 1997) com roteiro e direção de Alejandro Amenábar, Vanilla Sky é um mergulho profundo em um mundo completamente surreal e dramático, arrancando arrepios a cada cena.

Caramelo

2009-11-02T08:41:00.000-08:00

Um filme completamente feminino e que consegue retratar, em figuras concretas, os maiores dilemas das mulheres na atualidade. Misturando dor, amor e muito doce, Caramelo (Sukkar Banat / 2007) é um dos primeiros filmes libaneses que estão acima de muitas comédias românticas ou dramáticas que tentam – sem sucesso – retratar dilemas diários do cotidiano feminino.

Layale (Nadine Labaki – que além de ser uma das principais personagens também é diretora do longa) é dona do salão de beleza Sibelle e vive um romance proibido com um homem casado e espera fielmente pelo dia em que ele se separe da mulher para ficar com ela.

Nisrine (Yasmine Elmasri) é de origem mulçumana e está de casamento marcado, mas não é mais virgem e não sabe como contar ao noivo.

Rima (Joanna Moukarzel) sente-se atraída por mulheres.

Jamale (Gisele Aouad) vive a crise dos quarenta anos, tentando não envelhecer e enfrentando a guerra da beleza com a nova geração de garotas-modelos.

Rose (Sihame Hadddad) é uma costureira que abdicou de sua própria vida para cuidar da irmã problemática.

Durante os 95 minutos diante da tela da tevê a vida de cada uma dessas mulheres, de diferentes crenças, realidades e sentimentos vão se desenvolvendo, construindo a idéia de que ser mulher é doce, mas também é doloroso.

Com uma fotografia margeada pelo bege, cor do caramelo, as mulheres vivem suas angustias e momentos de felicidade. Discutem amor, compartilham segredos, tecem uma teia de amizade maravilhosa em meio a uma atmosfera regida por severos costumes libaneses.

Um filme que mostra – como nenhum outro – o cotidiano de mulheres que vivem para amar e serem amadas, que buscam a felicidade e a realização em meio a uma cidade mergulhada em costumes severos e modernidade.

O Libertino

2009-11-02T07:58:00.000-08:00

“Permitam-me ser franco neste começo: vocês não vão gostar de mim. Vocês não vão gostar de mim agora e passarão a gostar menos com o tempo.”

Como o próprio Johnny Depp, interpretando o segundo conde de Rochester John Wilmot, avisa nos primeiros minutos de filme, o personagem principal do longa não se encaixa em nenhum filme sobre as finas cortes inglesas.

Ao contrário do que se vê sobre as requintadas cortes européias, O Libertino (The Libertine / 2004) vem para mostrar quão decadente pode ser a vida dentro dos mais requintados palácios.

John Wilmot é casado com a bela Elizabeth Malet (Rosamund Pike), uma condessa dedicada e apaixonada pelo marido boêmio. John não esconde de sua esposa que deseja e possui outras mulheres. Está o tempo todo visitando casas de prostituição.

Após um pedido do rei Charles II (John Malkovich) para ir a Londres e cuidar do roteiro de uma peça teatral, John conhece a ambiciosa Elizabeth Barry (Samantha Morton) que, apesar do pouco conhecimento sobre os palcos, possui um talento nato para a dramaturgia, o que foi logo percebido pelo conde.

De uma simples aula de teatro nasce a mais efervescente paixão do poeta considerado extremamente pornográfico para a época. Seu curso de vida é mostrado até os segundos finais, deitado ao lado de Elizabeth, sua esposa, murmurando palavras perversas.

Johnny Depp desempenha seu papel maravilhosamente bem, como é de costume do ator, mas é bom lembrar que as fortes tomadas de nudez e sexo explicito torna o longa inapropriado não só para menores, mas também para o público acostumado a assistir filmes clássicos sobre as épocas de ouro da Europa como em Para Sempre Cinderela (Ever After / 1998).

Fora algumas cenas literalmente desnecessárias, as atuações são belíssimas e a retratação de uma Europa suja e de uma corte inglesa corrupta não poderiam ser mais bem formuladas.

Só cabe ainda lembrar que os poemas do conde são recitados por ele mesmo ao longo do filme e principalmente no final, quando Rochester faz um balanço de toda sua existência.

Belo, satírico e obsceno. Marcas claras de um homem que soube viver a seu modo.

Encontros e Desencontros

2009-08-01T13:54:00.000-07:00

Com a mistura das luzes, dos mais altos arranha-céus, da tecnologia, da cultura de Tóquio, Encontros e Desencontros (Lost in Translation / 2003) é a mostra de que a solidão e o amor caminham de mãos dadas.

Charlotte (Scarlett Johansson) é uma jovem casada que está de acompanhante com o marido fotógrafo. Por causa do trabalho dele, ela passa maior parte do tempo sozinha e, tomada pelo tédio da solidão, não consegue dormir. Bob Harris (Bill Murray) é um cineasta falido que vai até Tóquio para gravar um comercial de wiscky. Seu relacionamento com a esposa não vai nada bem, e, com a indiferença das pessoas ao seu redor, acaba também não conseguindo dormir.

Hospedados no mesmo hotel, Charlotte e Bob se encontram no bar. Está ai então o embrião de um romance globalizado e envolvente. A solidão que os uni forma laços de uma curiosa amizade e de um futuro sentimento mais profundo como o amor.

Sob toda a grandiosidade do Japão, Sofia maximizou os detalhes na tentativa de mostrar que em grandes cidades o amor e o acaso se esbarram continuamente além dos olhares que falam, dos gestos silenciosos, dos sorrisos incontidos.

A fotografia é puro contraste uma vez que Charlotte procura achar respostas para seus sentimentos conturbados nos calmos parques e templos japoneses, enquanto Bob precisa desenvolver um hábil senso de humor para agüentar as excentricidades dos orientais enquanto grava os comerciais.

Com uma trilha sonora mercável, faz perceber cada detalhe. A própria música no filme é um detalhe.

Incrível e essencial. É um filme que precisa ser visto independentemente da idade ou gosto cinematográfico.

Lágrimas do Sol

2009-08-01T13:34:00.000-07:00

Mais uma vez a África e seus conflitos são levados as câmeras. O heroísmo americano é estampado dessa vez na forma do Tenente Waters (Bruce Willis) e sua equipe que recebem a missão de resgatar a médica americana Lena (Monica Bellucci).

O resgate seria perfeito se não fosse a insistência da médica em levar os civis com ela. Incapazes de lutar contra a determinação de Lena, os soldados resolvem escoltar o grupo de refugiados até a fronteira de Camarões, onde estarão salvos da perseguição nigeriana.

Apesar de Lágrimas do Sol (Tears of the Sun / 2003) ser mais um filme americano cheio de camaradagem e lições superficiais de que morrer ajudando é uma forma nobre de morrer, também mostra o impasse dos soldados entre se salvar ou continuar tentando com a possibilidade quase certa de morrer. O desespero de um povo inocente que é massacrado. A sede de humanidade de pessoas que querem ajudar.

A fotografia do filme é maravilhosa. Bruce Willis está impecável no papel de um tenente calejado de feridas na alma, mas acredito que Monica Bellucci tem muito mais a oferecer do que mostrou nas cenas.

Mas é claro que isso não atrapalha o desenvolvimento maravilhoso que Lágrimas do Sol possui.

O Segredo

2009-08-01T13:30:00.000-07:00

Li várias críticas sobre o filme que vou falar a seguir e realmente não entendi o porquê das notas menores que seis. Claro que não sou conhecedora no aspecto técnico, mas para mim um filme é como uma pessoa. Não é possível agradar a todos. Nada consegue reunir as pessoas em uma única opinião. Os filmes não são diferentes. Não há como fazer com que todas as pessoas entendam a mesma coisa se aquilo não fica explícito no decorrer das cenas. E é então, nesse exato momento que me pergunto: será que um filme precisa mesmo passar uma única mensagem? Ter apenas uma única interpretação? Precisa ter o final que todos querem ver?

Assistir a um filme também é entender que ele é bom dentro dos padrões que quis seguir, que não é ruim porque não acabou feliz para sempre, que os protagonistas não precisam ser bonitos e novos e que as coisas podem dar errado sim.

Depois de uma longa introdução puxando a orelha dos que adoram criticar filmes sem ao menos dar uma explicação plausível, vamos começar logo a falar de O Segredo (The Secret / 2007) dirigido por Vincent Perez.

Hannah Morris (Lili Taylor) é uma esposa amada pelo marido Benjamin (David Duchovny) e odiada pela filha Samantha (Olivia Thirlby). Ao contrário do marido, não consegue conversar com a filha sem receber uma má resposta. Apesar das tentativas de se aproximar da garota, nada dá certo. Na tentativa de terem uma conversa mais amena, Hannah decide viajar com a filha e, por conta da distração enquanto brigavam, acaba batendo o carro.

Ao acordar no hospital pede por notícias da filha. Ao perceber que Samantha está morrendo se desespera e então algo inesperado acontece. Hannah morre, mas acorda no corpo de Samantha.

Na tentativa de conviver com o ocorrido Hannah – que agora é Samantha – se vê diante do mundo da filha adolescente que sempre quis conhecer. Os amigos, a escola, as aulas, as festas. Hannah agora é uma mulher de trinta e seis anos presa em um corpo de dezesseis.

É impecável a atuação de Olivia Thirlby após o acidente. A mudança total do comportamento me fez perceber que – apesar de nunca tê-la visto em outra atuação – é puro talento.

E, no final, o que fica para nós espectadores é que não é possível saber sobre algo tanto quanto alguém que o vive.

É um filme belíssimo e, acabo por concluir que os que criticaram talvez não tenham entendido que até a adolescência deve ser encarada como uma fase difícil e não rebelde como é tão afamada.

O Labirinto do Fauno

2009-08-01T13:20:00.000-07:00

Guillermo Del Toro acertou em todos os alvos para o qual mirou ao dirigir O Labirinto do Fauno (El labirinto del fauno / 2006). Classificado como suspense consegue prender a atenção desde o começo.

Sergi López está melhor do que nunca no papel do capital Vidal, um homem tirado e sem coração que demonstra não se importar nem um pouco até mesmo com a própria esposa Carmen, representada por Ariadna Gil.

A protagonista da película é Ofelia (Ivana Baquero) que é muito companheira de Carmen e apaixonada por contos de fadas. Apesar das súplicas da mãe, Ofelia não se empenha em tentar agradar o capitão que não é seu pai biológico.

O filme é um conto de fadas contado de uma forma diferente. Com direito a padrasto malvado, sapo, fauno, fadas e envolto por uma névoa de mistério, consegue prender a atenção do espectador do começo ao final. É uma história dentro da outra. Ao mesmo tempo em que há o confronto do capitão Vidal com os rebeldes e a descoberta de espiões infiltrados em seu meio, há o conflito de Ofelia com as três tarefas que lhe é imposto pelo fauno, testando se a pequena é mesmo uma princesa e se ainda é digna de seu reino.

O longa, além de retratar um conto de fadas belíssimo e cheio de mistério e suspense, ainda consegue mostrar uma Espanha conturbada que luta por liberdade e contra a tirania.

O labirinto do fauno mereceu os três Oscars que ganhou (melhor direção de arte, melhor fotografia e melhor maquiagem) além dos três BAFTA’s e sete Goyas.

O cinema espanhol, mais uma vez, mostra suas garras e prova, de uma vez por todas, o tamanho de sua magnitude.

Entre o Céu e o Inferno

2009-08-01T12:48:00.000-07:00

Ao som do blues sulista, Entre o Céu e o Inferno (Black Snake Moan / 2006) conta com um roteiro diferente e uma trilha sonora maravilhosa.

O nome do filme por si só já bastaria. À medida que se vai mergulhando nos acontecimentos marcantes na vida dos personagens, o longa se mostra muito mais incrível do que se pode imaginar.

Lazarus (Samuel L. Jackson), ou Laz como é chamado pelos amigos é um músico temente a Deus e está sofrendo porque sua mulher o abandonou para ficar com seu amigo. Encontra Rae (Christina Ricci), uma garota cheia de problemas, usuária de drogas e ninfomaníaca que está jogada na estrada toda machucada.

No intuito de ajudar, Laz a leva para casa e, no decorrer do filme, uma forte amizade começará a ser estabelecida enquanto o velho homem tenta ajudar a jovem a encontrar um caminho. Entre conversas e brigas Laz se revela um homem do blues e ao som do ritmo sulista, o filme tem seu desenvolvimento.

Apesar do excesso de sexo e drogas Rae tem um amor. O jovem Ronnie (Justin Timberlake), um jovem soldado que está indo para a guerra no Iraque.

Cada momento do filme é singular, não apenas pelos acontecimentos, mas também pelas atuações. Craig Brewer acertou ao escolher Samuel L. Jackson e Christina Ricci. No final, o gosto que fica é que realmente “Everything is hotter down south”.

Os Reis de Dogtown

2009-08-01T11:45:00.000-07:00

Uma mulher no universo skatista revolucionário e basicamente masculino. Esses são os dois fatores que me chamaram atenção no filme Os Reis de Dogtown (Lords of Dogtown / 2005).

A diretora Catherine Hardwicke, então conhecida pelo filme Aos Treze (Thirteen / 2003), um filme focado na vida de uma adolescente exemplo que passa a percorrer diferentes caminhos, entre eles o das drogas, do sexo e da criminalidade.

Saindo do mundo adolescente real, Catherine embarcou em uma das lendas mais famosas do mundo; os vampiros. Dirigindo Crepúsculo (Twilight / 2008), filme adaptado da série literária de Stephenie Meyer, o longa também aborda a adolescência de forma fantasiosa, uma vez que o romance é entre uma mortal e um vampiro.

Cheia de talento, a diretora, em 2005, dirigiu o filme Os Reis de Dogtown (Lords of Dogtown / 2005), filme fictício sobre a vida dos lendários Z-Boys tema do documentário escrito por Stacy Peralta.

A história narra a vida de três garotos humildes que moram no subúrbio da Califórnia durante a década de 70. Vivendo uma vida difícil, Jay (Emile Hirsch), Tony (Victor Rasuk) e Stacy (John Robinson) tentam levar suas vidas surfando e andando de skate. Com a ajuda de Skip (Heath Ledger) – dono de uma loja de artigos para surf – resolvem treinar para participar de pequenos concursos de skate. A partir de então, os garotos começam a invadir quintais a procura de piscinas vazias para treinar novas manobras. Está nascendo então a nova – e mais usada até hoje – estrutura para a prática do skateboarding: o halfpipe – uma estrutura em forma de U.

É a retratação da evolução do skate. Saindo das ondas e entrando diretamente no concreto das ruas da Califórnia. E não fica apenas nisso. Há foco também na vida dos garotos a lidar com dificuldades sociais, sentimentais, fortuna e fama, o tempo que corrói as amizades, os ganhos e as perdas como resultado de suas evoluções mostrando que o longa vai muito além de um retrato de uma adolescência skatista.

A Lenda do Cavaleiro Sem Cabeça

2009-08-01T11:38:00.000-07:00

Johnny Depp, assim como todos os atores hollywoodianos ou não, já teve seus altos e baixos. E um de seus altos foi sua atuação em A Lenda do Cavaleiro Sem Cabeça (Sleepy Hollow / 1999).

Com uma história adaptada do conto escrito em 1820 por Washington Irving, o filme conta a história do investigador Ichabod Crane (Johnny Depp) que é enviado ao condado de Sleepy Hollow para descobrir o culpado pelas mortes misteriosas em que todas as vítimas são encontradas decapitadas.

Durante suas investigações, Crane revela ser um homem atormentado e um tanto quanto excêntrico e acaba por se apaixonar pela bela Katrina Van Tassel (Christina Ricci).

O lugar é sombrio. A pacata cidade é de um cinza triste e mortífero. Com a direção nas mãos de Tim Burton, não há como esperar mais. A atmosfera sobrenatural que cobre todo o filme é fantástica e mereceu o Oscar de melhor direção de arte e merecia também o de melhor fotografia e figurino, categorias que o longa foi indicado e acabou não ganhando. Mereceu também seus BAFTA’s e MTV Movies Awards que recebeu.

Com certeza, é um clássico do gênero terror/fantasia.

Solidão (curta-metragem)

2009-06-28T18:19:00.000-07:00

"(...) A solidão na verdade acho que ela não passa de uma sobreposição de todas as suas camadas num único momento. Todas as suas camadas, todas as suas vontades, todas as suas verdades elas se encaixam num único espaço de tempo e ali você realmente enxerga que desde que você nasceu você é solitário."

Com o roteiro, a edição e filmagem feita por Ciro MacCord, o curta-metragem Solidão é basicamente a fala de alguém solitário. A visão de mundo de alguém sozinho. É mais que lindo, é tocante.

A filmagem é simples, não achei nada sobre Ciro MacCord, mas é um pedaço de um sorriso, a mão no cabelo, os pombos bebericando nas poças d’água. Tudo tão simples e tão único. Tudo se interagindo lá fora e ele falando sobre solidão lá dentro.

Assisto sempre que preciso de um motivo para existir.

Para quem quiser assistir:

http://www.youtube.com/watch?v=OOp0QFAnTS4

O Leitor

2009-06-28T17:49:00.000-07:00

Mencionar todos os prêmios a que concorreu e os que faturou seria uma ótima opção para a introdução de um filme maravilhoso como esse, mas prefiro começar dizendo que, se assistiu o filme As Horas (The Hours / 2002) vai saber que os 124 minutos de O Leitor (The Reader / 2008) talvez serão os mais deliciosos possíveis.

Depois de dirigir Julianne Moore, Nicole Kidman e Meryl Streep na adaptação do romance de Virgínia Woolf, Stephen Dalry só poderia gerar mais um drama de alta qualidade digno de ganhar todos os prêmios a que concorreu.

A história se passa no contexto pós segunda guerra e começa quando Michael Berg (David Kross na fase jovem) sente-se mal e é ajudado por uma mulher desconhecida. Hanna Schmitz (Kate Winslet) é uma mulher solteira e solitária. Trabalha em um bonde recolhendo bilhetes e mora em um pequeno apartamento.

A atração de ambos é inevitável e acabam se envolvendo amorosamente. Michael com seus ares de adolescente sente-se fascinado pela já madura Hanna e então, durante o verão alemão, vão passar momentos que lhes marcarão a vida para sempre.

Após a partida misteriosa dela, Michael precisa seguir sua vida. Termina os estudos e entra na faculdade de Direito. É então que vai assistir a um polêmico julgamento de crimes cometidos por nazistas. Lá está sendo julgado um grupo de mulheres que trabalharam em um campo de concentração feminino. Tudo que Michael tentou enterrar por oito anos estava sentado logo a sua frente, no banco dos réus sendo acusada de liderar atrocidades nazistas contra mulheres judias.

O filme é incrivelmente sentimental, não com palavras ou lágrimas, mas sim com gestos. Com pequenos movimentos, observações que não precisam sequer de uma música de fundo. São os olhares dos atores interpretando incrivelmente seus papéis.

Chegado ao final, o espectador poderá refletir sobre muitas coisas. Sobre o que é um amor perdido e o que ele é capaz de fazer ou mesmo até quando deixar-se levar por um sentimento guardado. Trás à tona a questão nazista questionando se um grupo restrito de pessoas deve ser responsabilizado por um genocídio coletivo e insano que lhes fora imposto.

O Leitor é uma grande mistura de amor, valores morais, sentimentos, reflexões. É um filme que merece ser visto mais de uma vez.

Anjos e Demônios

2009-06-26T19:28:00.000-07:00

Mais uma vez Dan Brown faz sucesso duplo. Com seus milhões de exemplares vendidos e dois dos seus livros transformados em filme, começo a achar que essa “moda” vai pegar.

O primeiro foi O Código da Vinci (The Da Vinci Code / 2006) que gira em torno do afamado simbologista Robert Langdon (Tom Hanks) que é chamado pela polícia de Paris após a morte do curador do afamado museu do Louvre. Envolto por uma névoa de mistérios conhece Sophie Neveu (Audrey Tautou) que vai ajudá-lo a concluir que as pistas de todos os mistérios estão escondidas em obras famosas do pintor Leonardo Da Vinci.

Todos que já leram o livro ou mesmo apenas assistiram o filme, sabem da polêmica. Dan Brown é mestre em confrontar instituições poderosas como a igreja católica. O segredo atrás das obras do mestre oculta – entre tantos outros segredos – o suposto relacionamento de Jesus com Maria Madalena.

Para a infelicidade dos católicos fervorosos, cá está Brown novamente em parceria com o diretor Ron Howard levando para as telas do mundo todo uma nova adaptação ainda mais audaciosa uma vez que se passa dentro de um dos ambientes mais fechados do mundo: o Vaticano.

Apesar de não ter tido a oportunidade de ler o livro, o filme Anjos e Demônios (Angels & Demons / 2009) me pareceu impecável, até mais que o próprio Código da Vinci. Com mais cenas de ação, fotografia impecável, um mistério ainda mais intrigante e um desfecho mais que surpreendente, o longa não deixa o espectador confuso. Acredito que foi preciso pular partes, não é possível em algumas horas passar um livro todo para um rolo de filme, mas ao contrário do Código, Anjos e Demônios compactou as informações sem que faltassem peças. O quebra cabeça diminuiu, mas se ajustou, vamos colocar assim.

Dessa vez Robert Langdon (interpretado novamente por Tom Hanks) está na cidade do vaticano. O papa está morto e o conclave precisa se isolar para eleger um novo líder, mas uma ameaça milenar – e que todos pensavam estar extinta – reaparece; uma seita chamava ILLUMINATI. Seqüestrando cardeais e roubando uma espécie de antimatéria de um laboratório suíço, os responsáveis deixam pistas que serão seguidas por Robert e Victoria Vetra (Ayelet Zurer) uma física que trabalha no laboratório roubado.

Sob o perigo da explosão da antimatéria que tem o poder de destruir todo o Vaticano, com a vida dos cardeais em jogo e todo o ambiente que se mostra não tão sagrado assim, o filme foi severamente criticado pela igreja. O pedido para filmagens foi negado assim como as filmagens dentro das igrejas. Apenas foram permitidas nas ruas e mesmo assim tão limitadas que o diretor denominou as filmagens nas ruas de “filmagens de guerrilha”.

Acredito que é muita hipocrisia da igreja tentar manter padrões que não cabem mais a sociedade atual. Pensam que proibindo filmagens, proibindo a entrada do filme no país, criticando severamente a sétima arte vão conseguir manter um padrão que está em decadência há alguns anos já. Mas está ai a grande questão; não vão. É normal que não aceitem a falência. A perda. A igreja perde fiéis a todo o momento. Independentemente para qual religião, estão perdendo e acreditam que as idéias impressas no filme poderão acelerar o processo que tentam ferozmente retardar.

É impossível se chegar a um acordo sobre esse tema. Vi opiniões divididas entre até quem não é muito de falar sobre crenças. Alguns vão assistir e gostar. Outros vão assistir e criticar. E muitos outros nem vão chegar a ver. O que vai ser sempre um fato é que religião é uma coisa que definitivamente não se discute.

As Ruinas

2009-06-13T23:16:00.000-07:00

E lá vamos nós outra vez falar do meu terrível engano sobre os filmes de terror (É isso mesmo! Aqueles que são um grupo de jovens bonitos e americanos sofrendo mutilações do começo ao fim do filme).

As Ruínas (The Ruins / 2008) é um filme australiano do diretor Carter Smith. Sua estréia nas telas não foi tão boa assim, notando, primeiramente, a classificação errônea do próprio filme. Não colocaria como terror ou suspense, uma vez que não há história. O que se vê na tela são dois casais de turistas que foram visitar ruínas maias a convite de um estranho. Está claro que isso não vai acabar em boa coisa. Em matéria de susto não precisa se preocupar, uma vez que não há nada que vá fazer o espectador pular do sofá.

Mas, não posso deixar de mencionar que, apesar da história ser um fiasco, as atuações são ótimas. Os gritos são extremamente ensurdecedores e você, por um segundo, consegue sentir aquela mesma dor dilacerante que o personagem está sentindo.

Para o enredo daria nota seis para ficar na média, para as atuações um oito e meio e para o local das filmagens daria zero. Acho que está virando mania de norte americano descer às Américas para rodar filmes de terror denegrindo lugares turísticos.

Querendo ou não, o cinema tem “a faca e o queijo nas mãos”. Tem o poder de exaltar e denegrir imagens. No caso de As Ruínas, optou pela segunda opção quando mostra os dois casais indo para um templo maia em ruínas e lá sofrendo distúrbios psicológicos devido ao ataque de plantas.

E essa não é a primeira vez. Em 2006 o filme Turistas do diretor John Stockwell deixou duvidoso nossos níveis de hospitalidade brasileira com seu enredo sobre trafico de órgãos de turistas americanos. Um ano antes, em 2005 o repulsivo O Albergue, dirigido por Eli Roth e produzido por Quentin Tarantino, deixa uma interrogação na cabeça dos que pretendiam mochilar pela Europa, uma vez que retrata três americanos que vão à Eslováquia em busca de diversão, mulheres bonitas e drogas fáceis e acabam encontrando estranhas pessoas que pagam para matar. E o “melhor”: os americanos são os mais valiosos.

Pode parecer que é só mais uma criação para divertir o público, mas acaba sim refletindo no país citado.

Uma forma para conter isso? Acredito que as produtoras deveriam averiguar com mais cautela os roteiros e exigir mudanças.

De resto, só recomendo para quem quer ver sangue jorrando e alguns pares de seios bonitos.

2009-06-06T20:18:00.000-07:00

Mulher, macho, fêmea, homem, homo, bi, pan, bicha, tricha, trava, traveco, trans, lésbica, ativo, passivo, versátil, viado, cadela, GLBTXY, etc... Infinitamente etc... A diversidade sexual está nos instintos animais e também está nas siglas, nas gírias e nas palavras eruditas.

A diversidade sexual está no micro e no macro, no sangue, na pele, e (além do rosa), também está no branco, no preto, no amarelo e no vermelho; está no discreto e no exuberante, no virtual e no real, no gestual ou num simples olhar. A diversidade sexual está embaixo da ponte, dentro dos carrões que passam por cima dela.

A diversidade sexual está no salão de beleza, nos corredores dos escritórios, nos bares, nos manos, nas minas, nas igrejas e na pracinha, nos puteiros e nas pessoas da mesa da sala de jantar; está nos banheiros públicos (e também nos privados), dentro e fora dos armários. A diversidade sexual também está no cemitério e no útero das futuras mães.

Diversidade sexual está nos mocacins, nos tênis, nas sandálias plataformas, na pasta do executivo, ma mochila de um aventureiro, nas burcas, nos buás, nos quimonos, na batina, no branco da saúde ou na roupa suja da construção.

A diversidade sexual é isso! Está em todos os lugares, em todos os tempos, em todas as culturas. A diversidade sexual está aqui agora, no ontem e no sempre; está na música, na poesia, no teatro, no cinema, no cômico e no dramático da vida. Inegavelmente, a diversidade sexual está dentro e ao redor de todos nós.

Texto do encarte escrito por Fábio Takahashi.

O Festival irá se hospedar no SENAC de Franca e durante os dias 19,20 e 21 de junho serão exibidos documentários, curta-metragens e ficções sobre a diversidade sexual.

O projeto ainda conta com o apoio da Prefeitura de Franca que estará fazendo palestras sobre a prevenção de DST/ AIDS / hepatites.

Na Natureza Selvagem

2009-05-28T17:50:00.000-07:00

Sean Penn é um ótimo ator. Digno de todo o mérito possível, ainda mais depois de dirigir Into The Wild (Na Natureza Selvagem / 2007), filme baseado no livro do jornalista Jon Krakauer.

O livro – assim como o longa – narra a história de Christopher McCandless (Emile Hirsch), um jovem recém formado em uma ótima universidade americana que decide abandonar tudo e sair para mochilar pelos Estados Unido carregando apenas o suficiente para sobreviver. Cheio de problemas com os pais, que vivem um casamento de mentira uma vez que só brigaram e se agrediram na frente dos próprios filhos a vida toda, Chris só tem a irmã para ser seu porto seguro.

Em busca de liberdade e uma vida de intenso contato com a natureza, Christopher passa por vários estados entre eles Dakota do Sul, Arizona e Califórnia e, durante suas viagens, conhece pessoas que passam a significar muito para ele. Mas não ficava muito tempo na companhia dos novos amigos. Quando a amizade começava a criar vínculos mais profundos ia embora no meio da noite deixando apenas uma mensagem agradecendo por tudo.

Após dois anos andando e conhecendo pessoas de todos os jeitos, decide fazer uma grande viagem até o Alasca, acreditando que somente lá teria um contato absoluto com a natureza e sua tão idealizada liberdade. Durante todo o tempo Christopher faz citações de Tolstoi e Thoreau, autores de livros que o influenciaram a escolher sempre a solidão como companhia.

O filme tem duas interpretações; a primeira é o espanto do espectador pelo empenho de Chris atrás de seu sonho, não apenas de sentir a liberdade, mas também de querer visitar o Alasca, deixando tudo e todos para trás, por mais que fossem especiais. A segunda é como a solidão pode ser terrível.

Durante toda a sua viagem, conheceu pessoas maravilhosas que tentaram fazê-lo entender que a felicidade não precisa estar ligada exatamente à liberdade. E, embora tenha se sentido balançado por várias vezes, sua idéia de liberdade e solidão não saíram da cabeça.

Durante todo o tempo o filme utiliza de flashback para contar o passado a cada momento que Chris passa por algo parecido no presente.

Em termo de cenário não há nada mais belo. De belíssimas praias a Grand Canyon, é possível sentir a mesma liberdade que Chris sente ao abrir os braços no topo de uma montanha. A trilha sonora fica por conta de Eddie Vedder – vocalista da banda Pearl Jam – que concorreu ao prêmio de melhor canção original de filme com a música Guaranteed.

Chegando ao final do filme e Christopher ao final de sua jornada, ele acaba por concluir que toda aquela liberdade, toda aquela felicidade, toda aquela avalanche de sentimentos bons que estava sentindo, só seriam válidos se fossem repartidos com alguém que amasse.

Recomendo sem pensar duas vezes. Assista lendo cada diálogo, interpretando cada palavra. É impossível existir um filme que toque a alma tão fundo como esse.

A Mexicana

2009-05-27T19:04:00.000-07:00

Filmes com Julia Roberts são ótimos. Com o Brad Pitt é ação o tempo todo. Os dois juntos resultou em A Mexicana (The Mexican / 2001).

Dirigido por Gore Verbinski, A Mexicana é uma mistura de comédia com ação além do tempero mexicano.

Tudo começa quando Jerry (Brad Pitt), um gângster americano, se vê divido entre cumprir a ordem seu chefe de ir ao México recuperar uma valiosa arma ou atender ao pedido de sua namorada Samantha (Julia Roberts) que o quer longe desse trabalho para que possam se casar.

Sob pressão, Jerry tenta explicar que precisa ir ou será morto, mas Samantha não entende e os dois brigam. Chegando ao México ele descobre que não será tão fácil assim recuperar a arma, uma vez que sua lendária história a tornou muito cobiçada. Entrando em um problema aqui, saindo de uma confusão ali, recebe uma ligação de Samantha avisando que foi seqüestrada para servir como uma garantia de que não roubaria a arma. A confusão está armada já que não é apenas Jerry que está em busca da arma.

Com o México como cenário, uma trilha sonora embalada por ritmos mexicanos e enrascadas que ora Samantha, ora Jerry estão envolvidos, A Mexicana é um dos meus filmes favoritos.

O que mais instiga o expectador é que ele conta duas histórias simultaneamente. A atual, onde Jerry é o protagonista e tem que achar a arma, e a antiga, contando como a arma foi feita e porque é tão valiosa. E no final as duas histórias acabam se entrelaçando e o desfecho é inteligente e romântico.

Sem efeitos especiais aparentes, o filme é um exemplo cru de uma comédia ação-romântica. Gosto de filmes assim. Sem pessoas mortas demais, sem carros voando e atingindo helicópteros, só um casal tentando se acertar no meio de situações engraçadas e perigosas.

Casanova

2009-05-27T17:57:00.000-07:00

Quando penso sobre o objetivo dos atores imagino que seja igual a qualquer outro; deixar um legado bom. Deixar lembranças de um trabalho cumprido, bem feito. E quando penso em alguém que tenha executado tal tarefa logo penso em Heath Ledger. De moço rebelde em 10 Coisas Que Odeio Em Você (10 Things I Hate About You / 1999) a poeta viciado em drogas em Candy (Candy / 2006) Ledger atuou um pouco em cada gênero.

Após terminar as filmagens do vencedor de três Oscars, O Segredo de Brokeback Mountain (Brokeback Mountain / 2005) foi a vez de Casanova (Casanova / 2005) ser rodado.

Vivendo um típico Don Juan de Marco, só que veneziano, o filme conta a história de Giacomo Casanova. Sob a direção de Lasse Hallström (Chocolate / 2000), o longa trata de uma gostosa história de amor.

Giacomo Casanova (Heath Ledger) é famoso por sua lista de amantes. De virgens moças do convento a mulheres casadas, ele carrega consigo o amor das venezianas por onde passa. É também perseguido pela igreja, mais propriamente dito pela santa inquisição. Por conta dos seus inúmeros contatos, dificilmente é preso, até que toda a guarda de Veneza é trocada e o novo chefe diz não descansar até vê-lo banido da cidade italiana.

Saltando telhados e pulando janelas, Casanova – fingindo ter sido enviado para representar seu amigo - vai a um acerto de contas, uma luta de espadas pela honra de uma donzela seduzida por ele próprio. Lá conhece Francesca Bruni (Sienna Miller), que a principio está disfarçada de homem, fingindo ser o próprio irmão, uma vez que o jovem nada sabe sobre esgrima.

Entre golpes e diálogos, Casanova descobre que Francesca repudia tudo que diz respeito ao Don Juan veneziano e então o pior acontece: ele se descobre perdidamente apaixonado pela única mulher que não o deseja. E o pior; seu pretendente Paprizzio (Oliver Platt) está a caminho de Veneza.

A partir de então Casanova vai usar de todas as suas artimanhas para conquistá-la, colocando sua própria vida em risco, principalmente quando descobre um segredo de Francesca que pode levá-la a forca.

De uma forma gostosa, o filme retrata que até o mais boêmio dos homens pode se apaixonar. Com um figurino lindo, cheio de cenas engraçadas e perigosas, os personagens vivem as mais incríveis situações.

Heath Ledger está ótimo, assim como em todos os outros filmes, interpretando impecavelmente um homem historicamente marcante para a Itália.

Sem qualquer dúvida seu legado vai permanecer na mente de quem aprecia um bom filme, não só como Casanova, mas como todos os outros em que atuou.

A Praia

2009-05-25T20:32:00.000-07:00

Danny Boyle trás em sua bagagem uma coleção de prêmios e filmes ótimos. O último, Quem Quer Ser Bilionário (Slumdog Millionare / 2008), foi vencedor de oito Oscars, sete BAFTA’s e quatro Globos de Ouro. Entre eles está A Praia (The Beach / 2000), uma adaptação do romance de Alex Garland.

Como fonte de críticas, A Praia pode ser tanto vista com bons ou maus olhos. Com as incríveis praias paradisíacas da Tailândia como cenário, uma trilha sonora ótima e atuação impecável, o filme recebeu indicações ao Globo de Ouro no Festival de Berlim.

Tudo começa quando Richard (Leonardo Dicaprio) se hospeda em um hotel barato em Bangcoc e conhece Patolino (Robert Carlyle), um homem alucinado pelos anos de uso de drogas que, de uma forma paranóica, conta a ele sobre uma ilha secreta, uma espécie de paraíso na Terra. No dia seguinte Richard encontra um pequeno mapa na porta de seu quarto e logo descobre que Patolino se suicidou cortando os pulsos. Interpretando aquele acontecimento como uma mensagem de que deveria fazer algo diferente de todos os turistas resolve procurar o lugar.

Nesse mesmo hotel conhece François (Virgine Ledoyen) e Étienne (Guillaume Canet), um casal francês também de passagem por Bangcoc como turistas. Richard então os convence a segui-lo na busca da tal ilha.

No meio do caminho descobrem que, além de ser uma ilha isolada, não há barcos disponíveis para levá-los. São obrigados então a arriscar suas vidas nadando até lá. Ao chegarem acabam por passar por mais inúmeros perigos até chegarem ao destino.

Lá descobrem que um grupo de pessoas forma uma comunidade e convivem passivamente. São recebidos com animação e criam em suas mentes a idéia de que ali é o lugar perfeito, o paraíso, mas logo esse ideal desmorona quando vários problemas começam a afetar a todos, levando ao caos e a desordem onde a única solução, apesar de ser proibida, é sair.

Esse ideal de paraíso é algo que o ser humano se apega quando vai sonhar e a mensagem do filme, acredito eu, seja que o paraíso só existe mesmo na imaginação do Homem. Não há como existir um paraíso onde tudo interaja em harmonia. Esse suposto paraíso que persegue nossas mentes é feito sim de momentos e não uma coisa contínua porque até mesmo o paraíso cansa.

Minha concepção desse filme é mediana. O que mais me leva a assisti-lo é a cena final. É a mensagem que fica quando Richard olha para a tela do computador; o paraíso não precisa não existir, ele só precisa não tomar conta da sua mente.

Angel

2009-05-24T13:25:00.000-07:00

Sobre romances de época pode-se esperar quase a mesma coisa: ou a mocinha é pobre e se apaixona por um conde riquíssimo ou o contrário. No caso de Angel (Angel / 2007) temos a segunda opção.

Angel Deverell (Romola Garai) é uma menina que mora em uma pequena vila na Inglaterra e sonha em ser uma famosa escritora. Com uma vida difícil sem pai e com sua mãe trabalhando em uma pequena mercearia mata suas aulas na escola para contemplar uma mansão chamada Paraíso.

Com uma mente cheia de idéias românticas escreve um livro dividido em 5 volumes e manda para uma editora em Londres. Seu sonho começa a dar os primeiros passos quando recebe uma carta do editor avisando-lhe de que publicariam seu livro.

Escrevendo mais do que nunca, Angel alcança o que almejou a infância toda; fama e riqueza. Torna-se uma das escritoras mais aclamadas em toda a Inglaterra até que conhece Esmé (Michael Fassbender) um pintor mulherengo que não consegue vender suas obras.

Sempre muito atirada, Angel o pede em casamento e o casal vive uma vida conjugal praticamente perfeita na mansão onde ela sempre sonhou em morar, mas – como é de se esperar – o tempo passa e os filhos não chegam e Esmé se alista, pois são tempos de guerra.

O filme tem altos e baixos, com um enredo que, apesar de não ser muito interessante, consegue sim prender o espectador uma vez que a vida da escritora pode ser trazida para a nossa realidade. Uma vida de sonhos que viram realidade e o que acontece quando essa vida de sonhos perde seu encanto.

Lidar com a decadência não é fácil e só quem passa por ela pode saber o quanto é terrível. Aqui temos uma história que se repete sempre; o naufrágio de uma pessoa aclamada ícone que infelizmente não consegue lidar com a fama. No caso de Angel, não conseguiu ao menos lidar com seus próprios sonhos. A frase no cartaz pode ser interpretada assim; “O que acontece quando todos nossos sonhos se realizam?”Não é um ótimo programa para quem quer ver um bom romance de época, mas faz refletir sobre a ânsia do ser humano por seguir ou não seus sonhos e como é não ter mais nada para se sonhar ou realizar.

O diretor François Ozon é um dos mais importantes jovens na categoria New Wave, então talvez essa seja a causa desse trabalho sobre a decadência.

Ao final, sozinha em um leito de morte o que resta à pobre Angel é uma reflexão muito bonita sobre a vida que levou.

Ensaio Sobre a Cegueira

2009-05-24T11:00:00.000-07:00

É muito fácil criticar. Acredito que é uma das coisas favoritas do Ser Humano, mas dar a cara a bater não é para qualquer um. Além da coragem empregada muitas outras coisas são colocadas à prova. Fernando Meirelles deu sua reputação cinematográfica à crítica ao dirigir Ensaio Sobre a Cegueira (Blindness / 2008).

Adaptações de livros para o cinema são um tanto quanto complicadas. Já assisti vários e definitivamente não há como retratar tudo, mesmo porque as cenas envolvem a visão, audição enquanto as páginas dependem da boa leitura, interpretação, imaginação... Mas se tivesse que mencionar uma boa adaptação seria essa; Ensaio Sobre a Cegueira.

O longa, que abriu o Festival de Cannes em 2008, foi produzido no Japão, Canadá e Brasil e é adaptação do livro do escritor português José Saramago. Afamado com o Prêmio Nobel, Ensaio Sobre a Cegueira é o aviso mais brutal no meio da literatura de que o ser humano é tão dependente quanto não quer admitir.

O enredo trata de uma “epidemia” de cegueira repentina chamada "cegueira branca" – devido à cobertura leitora sobre os olhos dos afetados – que primeiro afeta um homem no trânsito e, aos poucos, vai se espalhando causando um grande alarde na população da cidade.

O governo, certo de que o melhor é tentar isolar a doença, leva as pessoas infectadas para um manicomio abandonado e os deixam em quarentena até que alguma solução possa ser tomada. No começo, um grupo pequeno de pessoas – entre eles um médico oftalmologista (Mark Fuffalo), sua esposa (Julianne Moore), o primeiro homem a ficar cego (Yusuke Iseya) e sua esposa (Yoshino Kimura), o rei da Camarata 3 (Gael García Bernal), um velho que carrega um radinho de pilha (Danny Glover) e a brasileira Alice Braga – tentam manter a ordem, mas as coisas começam a se complicar ao passo que mais pessoas vão chegando ao hospital e o caos começa a tomar conta do lugar.

Ao longo de todo o filme o médico conta com o carinho de sua esposa na luta pela sobrevivência dentro e fora do hospital porque ela é a única que não foi afetada pela tal cegueira.

Após um incêndio no manicomio, conseguem sair e então Julianne Moore, por ser a única que consegue enxergar, se dá conta de que, o que quer que seja aquilo, se espalhou por toda a cidade e que tudo se encontra na mais completa desordem.

O filme é um soco visual na moral humana. Ao assisti-lo, tenha lido ou não o livro, é possível entender o que José Saramago – e posteriormente Fernando Meirelles – quis dizer: o Ser Humano precisa ficar cego para se humanizar, precisam perder seu mais precioso instinto para se dar conta da importância de precisar do outro. Além disso, ainda trata de assuntos mais profundos como o limite da dignidade e da religião.

A fotografia é maravilhosa, uma vez que o branco é usado o tempo todo dando certa sensação de cegueira. A produção ainda conta com uma trilha sonora brasileira por conta do grupo Uakti, com seus instrumentos musicais não convencionais, construidos à mão pelo próprio grupo.

Mais do que uma adaptação, uma obra de arte que vale a pena ser guardada. E que, nas próximas fases da Humanidade, não seja preciso haver um surto de cegueira para nos lembrar quem realmente somos e do que realmente precisamos.

Rio de Janeiro também vai ganhar um amor.

2009-05-20T18:41:00.000-07:00

Em 2005, 18 diretores, como Gus Van Sant e Olivier Assayas, compuseram um mosaico de curtas chamado Paris, te amo! (Paris, Je T'Aime / 2006) coordenado pelo roteirista e produtor Emmanuel Benbihy.

A produção deu tão certo que virou franquia: Cities of Love, retratando necessariamente histórias de amor em grandes cidades.

Benbihy foi a Cannes para lançar seu segundo longa (recém terminado) da série, New York I Love You e aproveitou para negociar os direitos de produção e definir as duas próximas cidades a virarem filme: Xangai e Rio.

O anúncio oficial foi feito ontem pela Ancine e Bossa Nova, uma das três produtoras brasileiras envolvidas no desenvolvimento e financiamento do projeto. “Estou começando a sonhar nomes de diretores para “Rio, Eu Te Amo”, mas a previsão é que sejam três brasileiros, três americanos e quatro do resto do mundo” disse Benbihy à Folha de São Paulo. “O plano é confirmar os dez nomes em novembro e começar a filmar nos primeiros semestres de 2010. A China está com pressa, pois querem lançar “Xangai...” para a Exposição Universal de 2010.”A idéia do produtor é que Rio, Eu te Amo tenha estrutura similar à de New York I Love You.

Paris, Te Amo era feito de dez curtas independentes. New York... é um filme só. Os episódios se interligam, os personagens se reencontram. E a idéia é que o filme sobre o Rio seja assim, algo com um pouco de espírito de Crash (de Paul Haggis).

Lars Von Trier: talento ou insanidade?

2009-05-20T17:15:00.001-07:00

O assunto da vez é o novo filme do diretor dinamarquês Lars Von Trier, Antichrist (Anticristo / 2009) com suas cenas de sexo, mutilação e violência explícitos. O longa foi recebido com certo estranhamento da parte do público que se dividiu entre aplausos, vaias e risos durante a exibição em Cannes na última segunda feira, 18.

Lars Von Trier, que atingiu o céu, apesar de não ter levado nenhum prêmio, no festival de 2003 com o filme Dogville – que foi filmado dentro de um galpão na Suécia com poucas mesas e marcações no chão denominando a casa de um ou de outro. O filme tem como objetivo lembrar o espectador de que o que estão assistindo é uma ficção e que, por outro lado, valoriza ainda mais o trabalho dos atores Nicole Kidman e Paul Bettany –, agora pode sentir o gosto do inferno com seu filme Anticristo.

A trama gira em torno de um casal formado por um psicanalista e uma intelectual – que está escrevendo uma tese para contestar antiga teoria de que as mulheres tendem à maldade – que perdem o filho pequeno em um acidente.

O marido (Willem Dafoe) resolve se encarregar do tratamento psicológico da esposa (Charlotte Gainsbourg) que foi seriamente afetada pela perda do garoto e, como parte da terapia, os dois se isolam numa floresta chamada Éden onde são testemunhas de acontecimentos sobrenaturais malignos que provocam no casal as mais perversas sensações.

Há quem diga que o filme em si é maravilhoso e deixa as pernas bambas tamanho o suporte psicológico que é posto à prova.

O longa é dividido em um prólogo, um epílogo (ambos em preto e branco) e quatro capítulos (coloridos): Luto, Dor, Desespero e Os Três Mendigos.

A distribuidora dinamarquesa Zentropa disse que fará uma versão mais light do filme, cortando as cenas mais perturbadoras para ser exibido nos Estados Unidos, Ásia e sul da Europa. Segundo o diretor da distribuidora os cortes serão necessários para atender à censura dos países.

Na entrevista coletiva Von Trier foi abordado por um repórter norte-americano que exigia uma justificativa do filme em tom de intimação. “Não tenho que justificar a mim mesmo. E não tenho muito a dizer. É estranho você falar que tenho que me desculpar. Aqui, vocês são todos meus convidados. É assim que eu sinto”, disse o diretor em resposta ao jornalista.

Com relação à crítica, presidida pela atriz francesa Isabelle Huppert, teve a opinião imediata denominando o filme como sexista.

Ontem, o diretor disse que “há humor mesmo nos filmes em que você não necessariamente percebe”. No próximo domingo, quando serão entregues os prêmios do festival, saberemos se Huppert concorda ou não com Von Trier.

No Brasil o filme só será lançado entre os meses de agosto e setembro.

Quem quiser pode conferir o trailler do filme no link abaixo;

http://www.antichristthemovie.com/?language=en

Até lá, boa espera!

Sobre os filmes de ação

2009-05-17T20:16:00.000-07:00

Mesmo a trilogia do Rambo tornando a mente das pessoas ainda mais ignorantes a respeito de quem realmente venceu a guerra do Vietnã, ainda prefiro filmes assim a os de hoje em dia. É fato que os filmes de ação, de oito anos para cá, perderam um pouco sua credibilidade.

Os fatores? Exatos, eu desconheço, mas digo por mim, perderam a graça literalmente.

Para começar quem sofre mesmo na hora da pancadaria são os dublês (apesar do cachê deles ser muito menor em relação ao do ator). Os mocinhos não são fortes, mas conseguem lançar os bandidos a não sei quantos metros de distância e, depois de um luta árdua, não escorre, sequer, uma gota de suor do rosto lindo e de barba bem feita.

Quem nunca delirou com os golpes de Van Damme em O Soldado Universal? Aquilo sim é um filme de ação de verdade! Não só esse (que serve como um exemplo e uma ótima dica para quem gosta de filmes de ação de qualidade), mas tantos outros que mostram que, por mais que o mocinho seja fortão e corajoso, ele apanha e não é pouco não.

O ruim dos atuais filmes de ação é que, na maioria das vezes, já sabemos o final. Bom mesmo eram aqueles filmes que a gente sabia como era o final, mas até lá, nossa opinião oscilava entre o mocinho e o bandido, e que, em diversas vezes, você fechava os olhos porque o soco era forte demais.

Não sou amante de filmes de ação, nem a favor de socos e pontapés para tudo quanto é lado. Não, não sou, mas tenho que admitir que gosto dos golpes perfeitos que sempre acertam em lugares estratégicos e levam o adversário ao chão. Pena que ultimamente o que o público quer ver é outra coisa...

Mulher esbanjando beleza e selvageria também anda em alta. As panteras é um ótimo exemplo. Mulheres lindas dando surra em marmanjos, saltando prédios, escalando montanhas, entre tantas outras mais. Tudo isso de salto alto e nenhum vento no cabelo.

Em resumo, os filmes estão cada vez mais artificiais. Os filmes de ação estão funcionando como válvulas de escape para atores que já não se encaixam mais em outros gêneros.

Para protagonizar um filme de ação não basta ser malhado e ter cara de mau. É preciso ter um perfil que, infelizmente, não é mais tão fácil de se encontrar.

E não são só os filmes de ação. O cinema no geral anda muito superficial. Querendo abranger pequenos grupos e está ai o erro.

É preciso parar de pensar que a arte imita a vida porque já faz algum tempo que a arte adquiriu vida própria.

Caio Fernando Abreu e Cazuza

2009-05-16T07:45:00.000-07:00

“(...) Tão geladas as pernas e os braços e a cara que pensei em abrir a garrafa para beber um gole, mas não queria chegar na casa dele meio bêbado, hálito fedendo, não queria que ele pensasse que eu andava bebendo, e eu andava, todo dia um bom pretexto, e fui pensando também que ele ia pensar que eu andava sem dinheiro, chegando a pé naquela chuva toda, e eu andava, estômago dolorido de fome, e eu não queria que ele pensasse que eu andava insone, e eu andava, roxas olheiras, teria que ter cuidado com o lábio inferior ao sorrir, se sorrisse, e quase certamente sim, quando o encontrasse, para que não visse o dente quebrado e pensasse que eu andava relaxando, sem ir ao dentista, e eu andava, e tudo que eu andava fazendo e sendo eu não queria que ele visse nem soubesse, mas depois de pensar isso me deu um desgosto porque fui percebendo, por dentro da chuva, que talvez eu não quisesse que ele soubesse que eu era eu, e eu era."

(Além do Ponto – Caio Fernando Abreu)

É o meu autor favorito. É o meu porto, é onde me encontro só por saber que o livro está em cima da cama. Sei que posso chegar triste, cansada, feliz ou acabada e deitar minha cabeça no travesseiro e olhar para as páginas amareladas do livro de sebo e saber que paguei tão pouco na salvação dos meus dias.

“O amor é o ridículo da vida. A gente procura nele uma pureza impossível. Uma pureza que está sempre se pondo, indo embora. A vida veio e me levou com ela. Sorte é se abandonar e aceitar essa vaga idéia de paraíso que nos persegue. Bonita e breve. Como borboletas que só vivem vinte e quatro horas. Morrer não dói.”

(Filme Cazuza: O Tempo Não Pára)

Enquanto escuto Vida Louca Vida fico pensando porque é que os ícones – capazes de juntar poesia e música – precisam morrer cedo. Em pensar que, para eles talvez, tudo não passasse de pura diversão. O que há em comum? Duas mentes brilhantes que foram tragadas por algo inexplicavelmente delicioso: a vivência extrema da vida.

Espelhos do Medo

2009-05-15T07:56:00.000-07:00

Kiefer Sutherland saiu do seriado 24 Horas direto para um thriller que deixa qualquer um arrepiado. Fazendo uma associação com o seriado, ele está mais uma vez fazendo papel de um policial, só que dessa vez fracassado, que está travando uma batalha sobrenatural com sua própria imagem refletida em um espelho.

Mirrors (Espelhos do Medo / 2008) sob a direção de Alexandre Aja (dirigiu Viagem Maldita / 2006) é a versão americana do filme coreano Geoul Sokeuro (Espelhos / 2003). Com seu orçamento de trinta e cinco milhões de dólares faz valer a pena cada centavo.

Ben Carson (Kiefer Sutherland) é um ex-detetive que, há um ano, foi suspenso do departamento de polícia de Nova York por ter atirado em outro policial infiltrado. O fato fez com que se tornasse alcoólatra e em conseqüência disso o distanciamento da sua esposa Amy (Paula Patton) e seu filho Michael (Cameron Boyce).

Para tentar concertas as coisas Ben aceita trabalhar como vigia noturno em um antiga loja de departamentos. O prédio se encontra em ruínas, pois foi alvo de um incêndio há alguns anos queimando consigo várias pessoas que trabalhavam ali. O que restou foram gigantescos espelhos que começam a deixar Ben intrigado quando começam a refletir estranhos acontecimentos.

O problema se agrava quando os reflexos começam a segui-lo através de espelhos chegando até a casa da sua família. Como ainda possui instinto de detetive começa a investigar a história do lugar e chega a incríveis fatos.

Os efeitos especiais são fantásticos, uma vez que não são forçados apesar de serem irreais. As cenas dentro da loja são sempre muito escuras causando um suspense gostoso. Só aviso que é preciso um bocado de atenção em cada cena, em cada aviso que o personagem recebe ou não há como entender o final, já que não fica explicito o que de fato aconteceu. O contexto acaba levando o espectador a uma única conclusão sobre o destino de Ben.

Amor Além da Vida

2009-05-15T07:00:00.000-07:00

Se for para falar de amor, então vamos falar de amor pra valer. Não gosto de filmes que tratam desse sentimento com humor. É claro que amor é uma mistura de tudo de bom com tudo de ruim e pensando justamente nisso que me vem em mente What Dreams May Come (Amor Além da Vida / 1998) com seu amor que vai – literalmente – além da vida.

Com um elenco de peso e um Oscar de melhor efeitos especiais na bagagem, What Dreams May Come é, basicamente, um filme sobre até onde o amor é capaz de levar alguém. Seja em vida ou após a morte.

Chris Nielsen (Robin Williams) é médico e sua esposa Annie (Annabella Sciorra) é coordenadora de uma galeria de artes onde expõe seus quadros. Com seus dois filhos, Marie (Jessica Brooks Grant) e Ian (Josh Paddock) formam uma família estruturada e feliz até que os dois jovens morrem em um acidente de carro afetando brutalmente o casal. Após quatro anos, com a morte dos filhos já superada, Chris morre também em um acidente.

Antes de ir para o céu de fato, Chris ainda fica na Terra tentando se comunicar com Annie até que conhece Albert (Cuba Gooding Jr.) que o convence a deixá-la viver em paz. Finalmente no céu, Chris descobre que não há anjos com harpas como nas pinturas sacras. O céu em que se encontra é um dos quadros que Annie havia pintado enquanto imaginava como seria a vida após a morte.

Descobrindo que aquele fato se devia a forte ligação de amor entre eles, Albert mostra ao novo amigo que cada um deve construir o seu próprio céu. Após reencontrar seus filhos Chris descobre que Annie não conseguiu conviver com a solidão e acabou se matando o que aniquilaria todas as chances de revê-la no céu, uma vez que os suicidas são mandados para o mundo do esquecimento.

Chris decide então ir atrás de sua querida esposa mesmo recebendo alertas de que ela não o reconheceria e, passado um determinado tempo, nem mesmo ele se lembraria de quem ela era. Com todo seu amor ele a trás de volta e os dois conseguem finalmente viver em um céu só deles.

O filme em si é perfeito. Não apenas pela direção, fotografia e efeitos especiais. Ele retrata uma realidade que não é comum. Um amor assim é raro, mas acontece. E como deve ser gostoso ter um amor que vai além da vida...

Constantine

2009-05-11T18:23:00.000-07:00

Sempre quando alguém pede uma indicação de um filme que tenha uma pitada de tudo acabo pensando em Constantine (Constantine / 2005). Sob a direção maravilhosa de Francis Lawrence, o filme conta com Keanu Reeves – interpretando John Constantine – e Rachel Weisz – interpretando um papel duplo; a policial Ângela e a irmã gêmea sensitiva Isabel.

O filme é uma adaptação das histórias em quadrinhos da revista Hellblazer. Apesar de ter sido sucesso de bilheteria há quem critique o longa pelo fato de não ser fiel aos quadrinhos.

John Constantine é um ocultista e exorcista que, após tentar se matar quando jovem, chegou ao inferno literalmente – ao menos por alguns segundos – e passou a enviar tudo que tentasse passar para o plano terrestre de volta ao seu devido lugar. John não se preocupa muito com a própria vida. Fuma quatro maços de cigarro por dia e tem como companhia suas doses até que Ângela entra na história. De início, uma policial estranha e perturbada pelo fato da irmã, Isabel, ter se jogado do último andar do hospital psiquiátrico onde estava internada. Estranhos acontecimentos a levam até Constantine e então os dois começam a buscar qual o verdadeiro motivo da morte de Isabel.

O filme ainda conta com atuações ilustres de Djimon Hounson – no papel de Midnite – e Tilda Swinton – com suas asas lindas interpretando o ajo Gabriel.

(Por mais que alguns fanáticos tenham achado estranho o papel de anjo ser feito por uma mulher, achei de muita coerência já que o que se diz sobre os anjos é unânime: anjo não tem sexo. Oras, então por que os anjos são sempre altos, fortes e de olhos azuis? Feliz ou infelizmente nos filmes é preciso escolher um sexo para os anjos. Não tem jeito. E nada mais inovador do que uma mulher no papel de anjo Gabriel.)

Gostei da forma como o filme tem uma seqüência. Uma história. Um começo, um meio e um final – que talvez vá ter uma continuação, mas ainda não se sabe nada ao certo.

Claro que deixa a desejar em alguns pontos como erros que quase ninguém percebe na hora de juntar as cenas, mas em um contexto geral é o que há de melhor no gênero.

O Cubo

2009-05-11T16:28:00.000-07:00

Quando menciono que quero estudar Cinema a primeira pergunta que vem a cabeça da maioria das pessoas é “qual o melhor filme que você já assistiu?”. Pergunta um tanto simbólica, uma vez que até parece que eu sei tudo sobre filmes. Não. Não sei tudo sobre filmes. Na verdade eu não sei nem um por cento de tudo de bom sobre filmes que existiu, existe e vai existir, mas uma coisa eu tenho que admitir: tenho meus preferidos.

O que caiu no meu conceito foi O Cubo (Cube / 1997), filme canadense sob a direção de Vincenzo Natali. É o primeiro de uma trilogia seguido de Cube 2: hypercube e Cube Zero.

O fator principal do filme, que é muito explorado, levado ao extremo e não chegou a ficar sobrecarregado, é a forma como o psicológico humano é completamente mutável.

O filme começa deixando um gostinho de quero mais para as próximas cenas. Seis pessoas acordam dentro de uma sala em forma de cubo. Passado o desespero e as perguntas fervilhando na cabeça de cada um percebem que a sala onde estão possuem seis pequenas portinhas que dão passagem a seis novas salas onde a única diferença entre elas são as cores e as armadilhas. Armadilhas essas mortais, não havendo margem para erro na hora da escolha.

Ao longo do filme os personagens passam por altos e baixos que não são apenas por estarem dentro de um enigma que pode custar-lhes a vida, mas também por sentimentos trazidos de uma vida conturbada lá fora.

Não há faltas graves na junção das cenas, em compensação não fica claro porque estão ali nem com que propósito. A inscrição no cartaz demonstra isso; Don’t look for a reason. Look for a way out. Recomendo apesar da nota fora.

O segundo filme da trilogia, Cube 2: hypercube, é total perda de tempo uma vez que o enredo é mais cômico do que tenso e desde o começo dá indícios de que, dessa vez, não há como sair e que qualquer esforço é completamente inútil.

De resto, só tenho a dizer que Cube Zero é um pouco melhor porque traz finalmente a explicação para os dois filmes anteriores.

Acredito ser difícil manter uma trilogia em alta. Ainda mais quando ao longo dos três filmes os roteiristas e diretores foram diferentes. Cada diretor quer reproduzir uma idéia diferente e acredito ser esse o ponto prejudicado da trilogia do cubo.

Promessas de um novo mundo

2009-05-07T18:52:00.000-07:00

Assisti a um documentário hoje que me partiu o coração por dois motivos. O primeiro é que só agora me dei conta de que posso sair de casa e ir onde eu bem entender. Em qualquer lugar do país. Claro que há uns mais perigosos que os outros, mas não há ninguém sentado no banco da praça pronto para se explodir a qualquer momento. O segundo é que não tenho dado o verdadeiro valor que a minha vida merece. Não tenho feito o que mais gosto, não tenho vivido, não tenho amado, só tenho sofrido. O documentário chama-se Promises (traduzindo para o português fica Promessas de Um Novo Mundo). Tem na sua direção Justine Arlin, Carlos Bolado e B.Z. Goldberg. Foi filmado entre os anos de 1997 e 2000, um tempo em que havia uma relativa paz entre israelenses e palestinos. O documentário gira em torno das diferentes visões de crianças separadas por barreiras culturais e religiosas. O que mais me afetou nesse filme foi a forma como as crianças falam uns dos outros. Como são espelhos refletindo ideais adultos, prontos para criticar e mostrar, cada um com o seu livro sagrado nas mãos, porque deveriam ocupar Israel. O que mais emociona e intriga é a forma como o diretor B.Z Goldberg consegue reuniar essas crianças que, apesar de morarem apenas a pouco mais de 15 minutos umas das outras, possuem vidas completamente diferentes. É realmente incrível. Quem não parar para pensar sobre a boa vida que leva, apesar de todas as dificuldades, não é humano. Definitivamente não é.